Animering är lätt att komma in i men svår att bemästra. Det finns lika många animationsstilar som animatörer, och att börja med en kortfilm är ett bra sätt att träna animeringstekniker när du utvecklar din "signatur" -stil. Precis som alla andra filmer tar animering tid, tålamod och mycket planering för att bli rätt, men alla med en dator kan göra en animerad kortfilm.
Steg
Metod 1 av 3: Making an Animatic (Pre-Production)
Steg 1. Skriv ut ett manus
Detta är ofta lättare sagt än gjort, men du måste skriva ner dina idéer tydligt och ge dem struktur innan du börjar arbeta. Till skillnad från live action är det nästan omöjligt att "improvisera" en animerad film, eftersom det helt enkelt tar för lång tid att animera allt. Du kan använda ett enkelt Word -dokument eller program för manusskrivning som Celtx, Writer Duets eller Final Draft. Ditt skript behöver ingen dialog, men det behöver:
-
Ett tema.
Vad är "poängen" med kortfilmen? Detta behöver inte vara stort, djupt eller komplicerat. Det kan vara allt från "förlusten av barndomens oskuld" eller "tristess är ett sinnestillstånd" till "jag vill få folk att skratta med det här skämtet." Se det som en vägledande princip för din film.
-
Tecken.
Vad kommer att hålla din publik uppmärksamhet? Det här kan vara allt från en person eller ett djur till en snurrig linje, som den Oscar-vinnande novellen "The Dot and the Line: A Romance".
-
Bilder.
Var utspelar sig den korta? Hur är stämningen eller stämningen? Ett manus måste berätta historien om den korta i sin helhet så att den kan användas som en ritning för framtida arbete.
-
En början, en mitt och ett slut.
Detta låter självklart, men det är poängen - nästan alla historier berättas i tre specifika, avgränsade delar eller handlingar. Det betyder inte att du måste ha en historia med tre akter eller till och med "karaktärer". Du behöver dock tänka ut kortfilmens "action" innan du går vidare.
- Akt 1 introducerar karaktärerna och ett problem (de är hungriga, världen tar slut, pojken är förälskad i någon etc.)
- Akt 2 komplicerar historien/problemet (alla butiker är stängda, den dåliga killen kan vinna, personen har redan en pojkvän etc.).
- Akt 3 ger lösning på problemet (de hittar en smörgåsbutik, de räddar världen, pojken träffar en annan person, etc.)
Steg 2. Skissa karaktärsmodeller
Innan du börjar animera måste du veta hur dina karaktärer kommer att se ut. Rita dem i olika poser, kostymer och uttryck för att få en känsla för hur de kommer att se ut. Kom ihåg att en karaktär kan vara vad som helst i en animerad film, från en björn till ett par salt- och pepparkakor. Ändå vill du utveckla dina karaktärer i förväg så att de ser konsekventa ut när du animerar dem.
Steg 3. Skapa en storyboard
Storyboards är individuella teckningar för varje bit av action i manuset och används vid produktion av nästan varje film - animerad eller på annat sätt. De är både enkla och omfattande, eftersom du behöver en för varje förändring du vill ha i filmen. De behöver dock inte bakgrundsdetaljer eller färg, såvida det inte är viktigt för historien. Du kan hitta och skriva ut en mängd gratis storyboardmallar online eller rita din egen. Varje ram på storyboardet har två delar:
-
Bilden:
I en rektangulär låda, rita skottets huvudsakliga åtgärd, ignorera bakgrundsbilder för tillfället. Du kan också rita anteckningar eller pilar för att indikera rörelse.
-
Dialogen.
Under bilden, skriv ner vad som behöver sägas i bilden, den föreslagna längden på bilden och eventuella effekter (zoom in, skakig kamera, etc.)
Steg 4. Importera din storyboard till ett filmprogram, spara varje bildruta individuellt
När du har planerat dina bilder, importera dem till din dator. Se till att namnge dem på rätt sätt (till exempel Act1. Scene1. Shot1.jpg). När du är klar importerar du dem alla till ditt filmredigeringsprogram (iMovie, Windows Movie Maker, Final Cut Pro, Adobe AfterEffects, etc.) och lägger dem i rätt ordning.
Adobe AfterEffects eller Premier anses vara branschstandarder, men du kan använda vilket program du är bekvämast med
Steg 5. Använd din storyboard för att göra ett tidsinställt bildspel eller animerat
Animatik är animationens grova snitt - de får takten och rytmen för de korta tillsammans och gör att du kan få rätt tidpunkt för din sista kortfilm. Detta låter komplicerat, men de är egentligen bara bildspel med rätt timing. Placera bilderna på storyboard i ordning på din redigeringsprogramvara och förläng, klipp och spela med dem tills du har ett "grovt" snitt av den sista filmen.
- Du kan hitta exempel på animatik online, som animatören för musikvideon "Feel Good Inc." samt lite Pixar -animatik.
- Nästan alla animerade filmer görs till animatik först. Annars riskerar du att spendera timmar med att helt animera en scen som måste förändras, bli längre eller kortare eller bli borttagen.
Steg 6. Lägg till dialog och ljudeffekter och justera animeringens timing efter behov
När du har din grova timing nere är det dags att förinspela dialogrutan. Detta behöver inte vara perfekt, och du kan till och med förfalska ljudeffekterna med munnen och händerna om du vill. Det som är viktigt är tidpunkten. Har du tillräckligt med tid i "skottet" för att få ut alla ord? Förläng eller förkorta längden på dina bilder efter behov.
Ju närmare du kan få dialogen att bli perfekt, desto bättre, eftersom de flesta bra röstspel kräver rätt timing. Som sagt, nu är det inte dags att oroa sig för de finare detaljerna i röstverkande. Du måste få ihop din animatör innan du går vidare till full produktion
EXPERTTIPS
Melessa Sargent
Film Producer Melessa Sargent is the President of Scriptwriters Network, a non-profit organization that brings in entertainment professionals to teach the art and business of script writing for TV, features and new media. The Network serves its members by providing educational programming, developing access and opportunity through alliances with industry professionals, and furthering the cause and quality of writing in the entertainment industry.
Melessa Sargent
Film Producer
Take some extra time in the editing phase to fine tune your timing
Since a short film is only about 15 minutes, everything has to be on point, from the writing to the voice of the character to the location.
Steg 7. Granska din animatör som om det vore den sista filmen
Den sista animatören ska berätta hela filmen om din film, minus färger, bakgrunder och detaljer.
Om du har kunskap om videoredigering kan du lägga till panoreringar, zoomer och övergångar just nu för att testa dem innan din sista redigering
Steg 8. Överväg att köpa en surfplatta
Surfplattor är små datordynor som levereras med en elektronisk penna, så att du kan "rita" rakt in i datorn. Att rita bra med en mus är nästan omöjligt, och om du inte planerar små projekt eller stop-motion-arbete kommer du nästan definitivt att behöva en surfplatta.
Metod 2 av 3: Animera din film (produktion)
Steg 1. Bestäm ditt animeringsmedium
Detta beror vanligtvis på din expertis och hårdvara. Till exempel är det väldigt svårt, om inte omöjligt, för en nybörjare med en äldre dator att göra 3D -animationer som Pixar. Det finns många, många animerande programvara och stilar, och alla av dem har invecklingar och tekniker som är unika för programvaran.
-
2D -animering:
Detta är den klassiska tecknade, handritade looken. Karaktärerna är platta ritningar. Ursprungligen ritades de ram för bild, men nu finns en mängd olika program som gör processen mycket snabbare, till exempel Synfig, Pencil2D, ToonBoom eller till och med Adobe Photoshop. Traditionellt använder du 12-24 ritningar per sekund film.
-
3D -animering:
I likhet med modellerna som används i videospel och filmer som Toy Story och Shrek är 3D -animering mycket svårare att bemästra. Du gör modeller av karaktärerna och kodrörelse till dem, vilket gör 3D -animering till en slags konstnärlig/kodande hybrid. Du måste också lägga till belysning och texturer. 3D -programvara kan användas, men det tar lång tid och kräver programvara som AutoDesk, Poser Pro, Aladdin eller Sketchup. De flesta 3D -animationer är resultatet av stora team som arbetar tillsammans.
-
Stop-Motion:
Så enkelt vem som helst kan göra det, stop-motion är när du använder verkliga figurer eller teckningar och tar en bild efter varje liten rörelse. När bilderna spelas upp mot rygg i höga hastigheter ser det ut som rörelse. Det är dock oerhört tidskrävande, eftersom du ofta behöver upp till 12 foton per sekund för att få det att se smidigt ut. Du kan använda utskärningar, lermodeller, individuella ritningar eller riktiga människor för att göra det.
-
Rotoskop:
En nischform av animation som finns i filmer som A Scanner Darkly, rotoskopering animerar ovanpå konventionellt inspelade filmer. Du behöver en surfplatta och du går igenom bilderna bild för bild och använder livevideon som en guide för att rita karaktärerna. Resultatet är ett realistiskt, men ändå animerat utseende.
Steg 2. Rita ut dina bakgrunder
Börja med dina inställningar, eftersom karaktärerna läggs över dem. Bakgrunden ska vara allt som karaktärerna inte interagerar med, eftersom allt som rör sig måste animeras. Bakgrunden ska vara en stor ritning och skannas in med hög upplösning. Detta låter dig "zooma in" på vissa sektioner utan förvrängning. Om du till exempel har två karaktärer som pratar på ett kafé, vill du rita hela kaféet bakom dem. Men du kanske vill att "kameran" ska fokusera på varje karaktär när de pratar individuellt. Istället för att rita om bakgrunden bakom honom kan du kopiera och klistra in en mindre del av din detaljerade bakgrund för "närbilder".
Steg 3. Skissa, modellera eller designa dina "nyckelposer
" Vilka är de viktigaste poserna för dina karaktärer, eller definierande handlingar som alla gör i scenen? Tänk på dessa som "destinationer" för varje rörelse. Ta till exempel en karaktär som slutar med ett slag. Du kan dela upp det i tre "nyckelposer", som alla måste ritas och sparas separat.
- Key Pose 1 = Vila. Det kan vara ett ansikte av överraskning, ilska eller beslutsamhet, eller helt enkelt karaktären med händerna vid sidorna.
- Key Pose 2 = Avveckling. Hur slår karaktären tillbaka armen? Oroa dig inte ännu för rörelsen för att komma till denna position, dra bara ut dem med armen tillbaka och redo att släppa.
- Key Pose 3 = Uppföljningen. Var hamnar karaktären direkt efter stansen? Deras arm kommer att utsättas och deras kropp kommer sannolikt att följa igenom. Återigen vill du ha den sista posen, inte ramarna när handen går igenom.
- Ju fler nyckelpositioner du ritar, desto mer komplex blir rörelsen. Till exempel kan du lägga till nyckelbild så att karaktären ser chockad ut, bollar in i en knytnäve, tappar armbågen, svänger med armen, stansar och sedan snurrar runt på uppföljningen.
Steg 4. Rita ut "mellanliggande" ramar
Ta stansen till exempel - hur kommer du från nyckel till nyckel? Det finns avancerad programvara som kommer att göra detta åt dig - när du väl har skapat karaktärsmodeller kommer programmet att "återge" rörelsen däremellan för dig. Men om du precis har börjat måste du sannolikt rita dina egna ramar för hand. Ju fler ramar du ritar, desto mjukare kommer handlingen att se ut.
- Det kan hjälpa dig att sätta dina nyckelrutor på skärmen som guider. Detta hjälper dig att se var du behöver för att få karaktärerna och var de började.
- Om något inte rör sig, bry dig inte om att rita om. Kopiera och klistra in nyckelramen, radera delen som behöver flyttas och behåll allt annat där det var.
Steg 5. Sätt ihop bilderna
Kompostering är bara ett snyggt sätt att beskriva att en film samlas. Detta kan vara så enkelt som att beställa alla ramar för stop-motion eller så komplicerat som att göra en 3D-modell med exakt belysning. Återigen kommer din animationsmetod att avgöra hur du sammanställer något:
- För 2D -animatörer handlar compositing om att få rörelsen att se smidig ut. Programvara som ToonBoom kommer att göra detta åt dig och kan kallas "rendering".
- För 3D -animatörer, vet att det tar lång tid. Belysningseffekter och texturer är svåra att programmera, och även de snabbaste datorerna kan ta timmar att skapa en video.
- För stop-motion-animatörer bör du spela med bildlängd och justera bilderna med en tiondel eller hundradels sekund för att få jämn, flytande rörelse.
Metod 3 av 3: Avsluta din film (efterproduktion)
Steg 1. Spela in valfri dialog för den sista filmen
Nu när du har den nästan färdiga animationen är det dags att få sången lagom. Dina röstaktörer kan se slutscenen, deras karaktärers uttryck och den tidpunkt du vill ha i ditt sista skott. Detta gör att de (eller du) kan leverera den bästa sångprestandan.
Observera att vid denna tidpunkt kan eventuella ändringar av animationen vara mycket tidskrävande att göra. Det är därför noggrann förproduktion är avgörande för en animerad film av alla längder
Steg 2. Lägg till ljudeffekter vid behov
Ljudeffekter bör komma efter röstaktörerna och ställas in på lämplig volym där de inte överväger dialogen. Det finns naturligtvis några undantag från denna regel. Till exempel, om det finns en explosion som karaktärerna måste reagera på, kan det vara bäst att sätta in den först innan dialogrutan spelas in. Detta hjälper aktörerna ut med reaktioner.
Ljudblandning är en viktig och subtil konstform. Satsa på ett par par hörlurar och/eller högtalare för att finjustera alla volymer korrekt
Steg 3. Klipp in filmen i din slutliga vision
Nu när du har fått ihop hela filmen, hur håller den? Chansen är att några av övergångarna känns klumpiga och en scen eller två går längre än den borde. Precis som om du skulle redigera alla live-actionfilmer, måste du vända ett kritiskt öga till ditt animerade stycke och polera det tills det gnistrar. Det finns inget "korrekt" sätt att redigera en film, men det finns ett par principer att tänka på:
- Känns några scener snabba och viktiga? Känner du dig engagerad hela tiden? Hjälper en specifik rad eller bild att flytta historien eller temat? Om svaret på någon av dessa frågor är nej, börja trimma. Ofta är de första och sista raderna i dialogen oväsentliga, eftersom det vanligtvis är mer engagerande att hoppa rakt in/ut ur en scen. Varje bildruta räknas vid redigering.
- Se filmen med någon som är avlägsen projektet. Fanns det delar som tröttnade? Förvirrade något dem eller behövde mer tid? Hur kan du klippa och trimma din berättelse för att göra den så gripande som möjligt?
- Hur flyter scenen ihop? Ibland hjälper 2-3 sekunder med bakgrundsbilder tittaren att andas och dyka in i nästa scen innan dialog startar.
Steg 4. Lägg till dina poleringar, som effekter, övergångar och färgkorrigering
Till exempel, om du vill ha en gammal sepia-nyans i din film, lägg till den sist. Sådana små förändringar är onödiga när du trimmar, klipper och bygger din film. Dessutom kommer de att vara värdelösa om du klipper scenen eller ändrar färgschemat. Alla dessa små detaljer måste komma sist, när du är säker på att "köttet" i filmen är klart.
- Lägg till våtservetter, upplösningar eller fade-ins till scenövergångarna.
- Lägg till filter eller effekter över det färdiga materialet.
- Lägg till titlar och krediter i början och slutet efter behov, i slutet.
Video - Genom att använda denna tjänst kan viss information delas med YouTube
Tips
- Arbeta i små bitar för bästa resultat - en scen, en handling etc. - och bygg sedan ihop dem senare.
- Ta dig tid i förproduktion. Det kommer att spara mycket huvudvärk senare.
- Gör en testfilm, högst 20-30 sekunder, om du bara har börjat med en ny programvara. Detta hjälper dig att lära dig programmet och utmaningarna innan du dyker in i din vision.
